miércoles, 13 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE DÍA DE PATRIOTAS (2016)

16:15:00 0 Comentarios

CINE Y ATLETISMO: TERRORISMO, SEGURIDAD Y DEPORTE


Un maratón no es solo una carrera de 42.195 metros. Detrás, delante y entre los miles de atletas, voluntarios y organizadores hay todo un dispositivo de seguridad que, pese a las molestias y pérdidas de tiempo que a veces supone, es tan necesario como el avituallamiento. Controles en la salida, inspecciones, nada de coger objetos del público, nada de celebrar la llegada con un selfie, policías por aquí, policías por allá, de uniforme, de paisano, a pie o motorizados. No hay excusas. No es la primera vez que el terrorismo se enfrenta -real y cinematográficamente hablando- con su opuesto (Munich). Los espectáculos deportivos son objetivos atractivos y el mundo no está para bromas. Los maratonianos tampoco.

Aquellos que entrenaron meses para estar en la salida del maratón de Bostón 2013, o que entrenaron la paciencia durante semanas para animar a un atleta por las calles de la ciudad y llegar antes que él a la salida, sabrán que no fue cosa de chiste. Tres muertos y 282 heridos por las bombas, más un muerto y otros heridos en los tiroteos posteriores. Dos ollas a presión, llenas de metralla, colocadas a ras de suelo. Muchas piernas amputadas. Si eres persona, puedes imaginarlo. Si eres atleta, no querrás ni pensarlo.

Contada desde el punto de vista de un agente de policía, Día de Patriotas se centra en la investigación. Desde la primer detonación hasta la captura del segundo de los terroristas días después de los hechos. Seriedad, realismo y veracidad. Diálogos precisos y sin florituras. Actuaciones correctas. Fotografía adecuada a la gravedad del asunto. Acción limitada a los hechos y mucha tensión. Mucha. La tensión y el suspense mantenidos de saber el resultado pero temer en todo momento por su no resolución.

A parte de alguna exageración espectacular, no hay distracción sentimental ni subtramas innecesarias. El argumento está enfocado al asunto principal. El entorno y sus consecuencias solo existen en los momentos exactos donde su presencia está justificada. Los cinco sentidos se activan para no perderse en la niebla de lo sentimental. Solo al final, cuando todo está hecho y los testigos reales nos cuentan su experiencia, los sentidos descansan en el sentimiento contenido. Al fin podemos dar rienda suelta a la tensión acumulada. Alegría, tristeza y esfuerzo a partes iguales. Como en un maratón. Porque la seguridad también es una peligrosa carrera de fondo, que permite que todos corramos seguros.

Valoración: 8 / 10


DÍA DE PATRIOTAS, "PATRIOT`S DAY" (2016)
Director: Peter Berg
Reparto: Mark Wahlberg, John Goodman, Kevin Bacon, J.K. Simmons, Michelle Monaghan, Rachel Brosnahan, Alex Wolff, Melissa Benoist, Michael Beach, Khandi Alexander, Erica McDermott, Lana Condor, Dean Neistat, Vincent Curatola, John Enos III
Género: terrorismo, thriller, drama, basado en hechos reales
Duración: 130 min

CRÍTICA DE SUBURBICON (2017)

11:05:00 0 Comentarios

GEORGE CLOONEY NOS ABRE LAS PUERTAS DE SUBURBICON PARA ABRIRNOS LOS OJOS Y DEJARNOS CON LA BOCA ABIERTA 

La mejor zona, las mejores casas, los mejores servicios, los mejores vecinos, la mejor reputación y una familia de color. Una mancha negra en el expediente del mejor de los barrios americanos de diseño… Una mancha negra rodeada de manchas blancas que no pasarían la prueba del algodón.

Suburbicon es una psicosis a sangre fría en el barrio de Eduardo Manos Tijeras. Un lugar sobrevolado por el espíritu musical de Bernard Herrmann, la sombra de Hitchcock, el humo del cigarro de Truman Capote y el colorido del Barton más luminoso. Lo mejor de los Coen pasado por el filtro del mejor George Clooney. Cine negro a todo color. Humor negro con el color como mcguffing. Suspense, tensión, sangre y risa tan oscura como el género. La sonrisa falsa de la supuesta superioridad blanca, muerta de risa. Porque quien ríe último, ríe mejor.


Dos historias paralelas, en vivienda y en argumento, que terminan por encontrarse –muy sutil e inteligentemente- en un infinito: el que une el pasado con la actualidad. Sin lugar para el descanso eterno. Con mucho espacio para la crítica, la sátira y la política más correcta e incorrecta de los hombres al mando –de la película y del gobierno-. Personajes sin moral ni escrúpulos cayendo por su propio peso y ambición. Rostros de vida plena y satisfactoria como crónicas de una muerte anunciada. Lo sabemos desde hace tiempo, y no por ello deja de ser apasionantemente intrigante y apasionantemente risible en su incoherente y triste realidad.

Valoración: 8 / 10


SUBURBICON (2017
Director: George Clooney
Reparto: Matt Damon, Julianne Moore, Óscar Isaac, Glenn Fleshler, Noah Jupe, Michael D. Cohen, Steve Monroe, Gary Basaraba, George Todd McLachlan, Carter Hastings, Dash Williams, Alex Hassell, Lauren Burns, Tony Espinosa
Género: Cine negro, comedia negra
Duración: 105 min

domingo, 10 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE THE SQUARE (2017)

20:00:00 0 Comentarios
¿Te atreves a entrar en el cuadrado?


Es curioso cuando las colas se convierten en cara-colas y dan vueltas y vueltas alrededor del más insignificante, e incluso inexistente, mobiliario urbano hasta perder la cola. Cuando la pescadilla, literalmente, se muerde la cola, y la cola vuelve a empezar espontáneamente, derivando en figura geométrica alternativa, o similar. Entonces llegas tú, inocente y emocionada, con tu entrada de cine en la mano, y preguntas: “¿Es esta la cola para la sala 1?” Y nadie sabe nada. Y llega otro iluso y te hace a ti la misma pregunta. Y tú tampoco lo sabes. Y la cola se va formando aleatoriamente. Y tú te empiezas a hacer mucho pis. Y le pides al de detrás que te guarde el sitio. Y sales corriendo, pensando que acabas de arriesgar tus cervicales ofreciendo tu total confianza a un desconocido. Pero tienes mucho pis, y dos horas y veinte minutos de película por delante. Y al volver, ya no recuerdas la cara del desconocido. Porque es eso, un desconocido. Y la cola ya no es lo que era. Y giras y giras sin rumbo definido hasta que alguien grita: “¡Chica!”. Y te sientes aliviada. Y la cola empieza a correr hasta que ya no es cola. Y la película empieza. Y la película acaba. Y no sabes si te han engañado o no. Y piensas. Y piensas. Y piensas… hasta que la pescadilla se muerde la cola y desconfías de tus pensamientos. Y quieres escribir. Y quieres que se fíen de tu crítica fundamentada como historiadora del arte que ha visto una película sobre arte. Y no sabes que escribir para no parecer bohemia. Y la lías. Como una caracola. Y vuelta a empezar. Si la cola hubiera sido cuadrada…

“El Cuadrado es un santuario de confianza y solidaridad. Dentro de él todos tenemos los mismos derechos y obligaciones”.

¿Estás segura que va sobre la confianza? ¿o lo aparenta? Aparenta. Aparente. Apariencia… ¿apariencias? Y todos los de la sala salimos aparentando que somos súper expertos. Y todos ponemos cara de estar mirando una instalación súper conceptual en un museo. Y llegamos a casa y vemos un telefilme alemán de sobremesa. Pero todos hemos entendido The Square.

¿Sobre el contraste entre la imagen y la verdadera personalidad? Y un niño de cinco años se acerca y te dice que porque ves películas tan aburridas que solo dicen tonterías. Y tú le intentas explicar. Y el niño te mira con cara. Y tú acabas dándote cuenta de las tonterías que estás diciendo.


¿Y el arte? Y descubres lo que ya sospechabas sobre el mundo del arte contemporáneo, y de la mejor y más mordaz forma posible. Que un bolso en un museo no es una obra de arte. Que muchas exposiciones nos toman el pelo. Que muchas performances nos tiran del pelo, literalmente. Que ni ellos mismos se lo creen. Que detrás de un traje y una tarjeta de visita de diseño hay un personaje. Y que un niño te puede escupir en la cara. Y el escupitajo sí que será arte.

¿En fin? Hay escenas de un humor soberbio e inteligente. El humor de Ruben Östlund, que además de ser muy aficionado al arte contemporáneo, es bastante peculiar, y a mí me hace gracia. Todo se remonta a aquella película sobre la avalancha donde un padre salvaba su móvil antes que a su familia. Muy serios los adultos, pero luego se comportan como niños. Parecen muy importantes, pero no se puede confiar en ellos. Y mientras, los niños, más coherentes, se lo echan en cara. Qué buena era eh. ¿Cuál? Fuerza mayor. Y esta, ¿es buena? Ha ganado en Cannes. ¿Pero? Es complicada. ¿…? Es graciosa. ¿Te estás haciendo la sueca? No. El sueco es el director.

Valoración: 7 / 10


THE SQUARE (2017)
Director: Ruben Östlund
Reparto: Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, Christopher Læssø, Marina Schiptjenko, Elijandro Edouard, Daniel Hallberg, Martin Sööder, Linda Anborg, Emelie Beckius, Peter Diaz, Sarah Giercksky, Jan Lindwall
Género: Comedia, arte
Duración: 142 minutos.

CINE Y ARTE: LOVING VINCENT (2017)

19:05:00 0 Comentarios

IMPRESIONANTE IMPRESIONISMO CINEMATOGRÁFICO

Por Lucía Pérez García




Animación o no, nunca he visto nada tan real. Una película que huele a óleo. A toneladas de óleo. Una película con empaste. Que se toca y se ve. Se siente.



El paisaje por el que has paseado millones de veces. Los personajes con los que has pasado horas y horas hablando de la vida, y de la muerte. Un hombre pelirrojo pegado a un pincel. Llueva o nieve. Corazón y alma. Emoción brillante e inquieta. Eterno parpadeo de angustia y pasión. Quietud inexistente. Luz de día y luz de noche. Perspectiva perdida en los recovecos del subconsciente creativo. Tristeza errabunda que alegra la vida. Un girasol. Un campo de trigo. Un cuervo. Una Estrella. Millones. Remolino sin forma que da forma a un mundo: Van Gogh.



Minimalismo para el impresionismo de una mente. Clint Mansell y un piano que siempre toca. Nervios frágiles de pintura. Incapaces de permanecer. Desgarrados. Cambiantes. Y la luz. Presente y escondida al mismo tiempo. Voces. Llamadas de locura. ¿Locura? Arte y nada más. Y una canción: “Vincent (Starry, Starry Night)”, de Don MacLean. Si Van Gogh fuera música.




Armand Roulin en busca de un misterio. El doctor Gatchet y un secreto. Tanguy, Gaugin, Pissarro, Lautrec. Surealismo, simbolismo, impresionismo, París. La iglesia de Auvers-sur-Oise. El café Terrace Place Du Forum. De noche. Estrellada. Campos de trigo. Olivos. Una habitación. Unas botas. Gente: Marguerite Gachet, el cartero Joseph Roulin, Theo... Vincent. También fue.



“Por momentos tengo una lucidez terrible, cuando la naturaleza es tan bella como en estos días y entonces dejo de sentirme y el cuadro me viene como en un sueño”. Mejor incluso que el de Kurosawa. Más sueño. Porque es no es de otro, sino suyo. Una película pintada a su imagen y semejanza. Van Gogh. Una historia del arte. Una vida en un gran guión. Un guión que es un cuadro. Un cuadro al que ni Kirk Douglas ni Anthony Quinn añadirían un plus, porque ella sola es plus que la propie vie.



Valoración: 9.5 / 10




LOVING VINCENT

Director: Dorota Kobiela yHugh Welchman
Reparto: Douglas Booth, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Chris O'Dowd, Jerome Flynn, John Sessions, Holly Earl, Robert Gulaczyk, James Greene, Bill Thomas, Martin Herdman, Josh Burdett, Richard Banks, Shaun Newnham
Género: Animación, drama, arte, biopic.
Duración: 95 min.

viernes, 8 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE EL LIBRO DE HENRY (2017)

19:31:00 0 Comentarios

El libro que nunca querrías leer


He aquí una película tan anclada en la actualidad que hasta los dos principales agentes del título, el libro y Henry, son superados por sus versiones más renovadas, una cinta de casete y un hermano pequeño. He aquí una película que nos engaña desde el principio.

Estética ochentera: desde el cartel hasta las ilustraciones del libro, pasando por el diseño de producción al completo; uno de los niños de It con unas súper gafas estilo Midnight Special: Jaeden Lieberher; el mini actor más codiciado de Hollywood que tuvo la suerte de nacer al cine en La Habitación adecuada en el momento adecuado: Jacob Tremblay; dos temas candentes: el bulling y el acoso sexual; dos temas lacrimógenos: la pérdida de un ser querido y el recuerdo: el compositor de moda: Michal Giacchino… y hasta Naomi Watts tocando el ukelele. La mismísima fórmula del éxito resumida en un pésimo guión y sus consecuencias inverosímiles. A Colin Trevorrow se lo comió su propio dinosaurio.


No hay que preguntarse por qué. La pregunta es cómo. ¿Cómo una película arma tanto jaleo para contar una historia que podría haber tenido pies pero pierde totalmente la cabeza? Y lo que es peor: ¿Cómo un niño de once años puede cargarse a las espaldas toda una producción de Hollywood y ser el único superviviente? A veces más vale dejar el libro a la mitad, o no abrirlo nunca.

Valoración: 4.8 / 10


EL LIBRO SECRETO DE HENRY, “THE BOOK OF HENRY” (2017
Director: Colin Trevorrow
Reparto: Naomi Watts, Jaeden Lieberher, Jacob Tremblay, Dean Norris, Sarah Silverman, Lee Pace, Maddie Ziegler,
Bobby Moynihan, Marjan Neshat, Deborah Rayne, Maxwell Simkins, Mary Joy
Género: Drama
Duración: 105 min.



miércoles, 6 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE MY LITTLE PONY: LA PELÍCULA (2017)

11:19:00 0 Comentarios

¿ALGÚN PONY POR AQUÍ?


Mi colección de ponies relinchaba de felicidad. Treinta años después, ¡los ponies volvían al cine! Tuve que abrir la caja y dejarlos galopar hasta que sus energías de juguete se gastaron. Marqué el día en el calendario. Los ponies volvieron al paso para dormir su sueño de plástico. Esa noche soñé que Raimbow Dash arrastraba las nubes para que siempre saliera el sol.

Llegado el día, las palomitas de colores inundaron la sala. Crines y colas cepilladas. Cutty Marks relucientes. Ojillos brillantes. Sombrero a lo Applejack bien encajado. Peli a punto de empezar. Último repaso mental a las siete temporadas de la serie. Entran los pegasos. Las palomitas vuelan por los aires.

Todas las princesas reunidas y una difícil tarea para Twilight: otra celebración. Y es que Equestria tiene un calendario festivo singular y ligeramente extenso, seguramente diseñado por Pinky Pie. No hay temporada que no contemple un feliz acontecimiento social. Siempre el mejor de la historia, por supuesto. Mis ponies y yo seguimos los preparativos con la atención de quien se los sabe de memoria.


Se abren los cielos. El malo llegó. Llegó, como no, el enemigo de la amistad. El pony sin amigos. El pony sin Cutty Mark. El pony incomprendido que se convierte en el más malo malísimo de los equinos. Otro más para la larga lista de ponies renegados que acaban siendo derrotados por la amistad multicolor: Sunset Shimmer, Starlight Glimmer, Trixie Lulamoon… y ahora Tempest Shadow.
A partir de aquí, todo normal. Nuevo pedido de palomitas. Esta vez de las normales.

Empieza entonces el desmadre pony, donde los ponies brillan por su ausencia: águilas, seaponies, un gato, un topo, extrañas criaturas de todos los tamaños, ponis mezclados con grifos. Discordia, el mejor villano de todos los tiempos, entra en la sala. Dejarlo fuera del argumento ha sido un error. Todos estamos de acuerdo y le acogemos amablemente.

Los fans de Applejack abandonan sus asientos. No hay derecho. No le dejan actuar, y encima le ponen el peinado más feo. Los de Fluttershy le siguen de cerca. Proliferan pancartas pidiendo la “igualdad pony: papeles equitativos para todos los ponies”. Alguien levanta una pancarta exigiendo la aparición, no solo el cameo, de las Cuttie Mark Crusaders. “¡Queremos a Scootaloo!”. Aunque no haya sido invitado a la película, Discordia sigue haciendo de las suyas dentro y fuera de la pantalla. Esto es un caos.


Menos mal que al final siempre gana la amistad. Pero así, sin más. Atrás quedaron los capítulos sorprendentes de las primeras temporadas. Lejos quedaron las segundas lecturas de unos ponies que iban más allá de su apariencia cursilona de juguete para niñas. Qué daño han hecho las dos últimas temporadas. Ojalá Twilight siguiera siendo aprendiz de princesa.

Cierro el establo. La última canción -porque la música es una de las especialidades de la casa- ha amansado a las fieras y la animación de los créditos ha calmado el ambiente. Es difícil resistirse a los ojillos gigantescos, el diseño individualizado y los colorines de estos caballitos miniaturas. Pero a veces se puede prescindir de ellos… una pena, penita, pena.


Valoración: 5 / 10


MY LITTLE PONY: LA PELÍCULA, "MY LITTLE PONY: THE MOVIE (2017)
Director: Jayson Thiessen
Género: Animación, aventuras.
Duración: 99 min.

domingo, 3 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE COCO (2017)

10:47:00 0 Comentarios
RECUERDA
Por Lucía Pérez García


Lo que empieza siendo un repetitivo “Tu puedes” “Sigue tu camino (que, por supuesto, es la música)”, acaba siendo un bonito: “No te olvides”. Tú puedes, continua el camino y no olvides mirar atrás de vez en cuando, para recordar de dónde vienes. Los nombres se esfuman, e incluso se intercambian. Las piedras se erosionan y sustituyen. Las fotos se borran. Y los muertos…son muertos y nada más. Pero Coco, Miguel y Héctor tienen un secreto que te hará llorar, de recuerdo.

Ni de risa, ni de tristeza, ni de felicidad. De recuerdo. No son los ojos, sobresaturados de colores mexicanos y algunas criaturas ligeramente horteras –aunque sobrecogidos por una animación inmensa-. Tampoco la nariz, si no te gusta el olor espeso del maíz, ni el gusto de los tamales. El oído… espera al final, y recuerda esto.


Haz memoria. Cuando las aspiradoras barrían las bolas de los recuerdos inútiles ante la indignación de nuestro amigo imaginario en Del Revés. Cuando él mismo, al crecer, caía en el olvido, pero más allá de la pantalla el tuyo volvía a renacer. Cuando todos pensábamos que Dory no tenía padres y apareció una concha. Cuando pensábamos que el balleno era un idioma inventado y volvimos a hablar con nuestra amiga de cañería. Cuando Andy creció y todos quisimos jugar con sus juguetes para vivir nuestra propia Toy Story. Cuando recordaste y el placer de recordar trajo algo a la vida. Y lloraste, de recuerdo. Porque si de algo sabe Disney Pixar es de hacernos recordar, llorar y vivir.


No importa el doblaje en latino: 1. Porque estamos en México; 2. Porque es Gael García Bernal; y 3. Porque nos hace recordar el primer Disney -cuando la Sirenita se peinaba con un cachivache en vez de con un artilugio-. No importa que no seas aficionado a la ranchera: 1. Porque estamos en México; 2. Porque detrás está Michael Giachino; y 3. Porque la canción “Recuerdamé” seguramente gane el Oscar. Importa, un poquito, que no seamos mexicanos: 1. Porque estamos en México; 2. Porque no entendemos algunos chistes ni cameos; y 3. Frida Kalho es la excepción. Ella misma. Porque ella lo vale. Y porque solo ella puede hacer llorar a un cactus en llamas del que brotan miles de criaturillas cejijuntas –y aquí recordamos el gag abstracto de Del Revés, otro grato recuerdo marca Pixar-.

Nada importa demasiado cuando lo importante es recordar. Y Coco, más que ser recordada por ella misma, lo será por recordarnos tantos recuerdos que teníamos olvidados y que ya nunca más caerán en el olvido. Ahora, puedes llorar.

Valoración: 8 / 10


COCO (2017)
Director: Lee Unkrich y Adrián Molina
Género: Animación, aventuras, comedia, familia.
Duración: 109 min.

viernes, 17 de noviembre de 2017

CRÍTICA DE LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR (2017)

10:15:00 2 Comentarios
COMO TRATAR LA ENFERMEDAD CON AMOR DE CINE INDI  
Por Lucía Pérez García
 

No siempre el amor es una enfermedad, pero hay veces en las que, literalmente, es objeto de diagnóstico médico en varias de sus acepciones. Solo en esos momentos, y con determinadas condiciones, puede ser tratado con el adjetivo ‘gran’. Y, como todos sabemos, detrás de un ‘gran’ viene siempre una película, cuya grandeza suele ser indirectamente proporcional a la cantidad de ‘gran’ utilizada en el proceso. Es por eso, precisamente, por lo que la película de Michael Showalter puede contener el adjetivo en el título, y acompañarlo de la palabra enfermedad. El melodrama y la épica de las grandes historias de amor llevadas al cine desaparecen tras su condición de independiente nivel Sundance en grado máximo: desde la presencia de Zoe Kazan, que junto con Zooey Deschanel confirma la Z como la inicial predilecta de las chicas del cine independiente; hasta el humor propio del guionista y protagonista Kumail Nanjiani, testigo en primera persona de los acontecimientos reales; pasando por las referencias cinéfilo-seriéfilas, los supermercados, los portales con escaleras, los colchones en el suelo… solo el nombre de Judd Apatow retiene algo de ese ‘gran’ -leáse Hollywood- que, al fin y al cabo, nunca lo es tanto cuando hablamos de comuna comedia, y esta película también lo es. 


Todo sería perfecto en su perfección indi si no fuera por las dos horas que alargan la enfermedad hasta los límites del ‘gran’. Solo el humor familiar, el de la familia pakistaní, y el de los padres de ella –Holly Hunter y Ray Romano nada más y nada menos-, y la gran vivencia de Kumail Nanjiani fuera y dentro de la pantalla, ayudan a sobrellevar esa enfermedad del tiempo en el tercer tramo que, afortunadamente, acaba volviendo a sus orígenes más sencillos, y que más agradece el espectador independiente cuando de algo grande se trata.  

Valoración: 7 / 10 



LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR, “THE BIG SICK” (2017) 
Director: Michael Showalter 
Reparto: Kumail Nanjiani, Zoe Kazan, Holly Hunter, Ray Romano, Linda Emond, Vella Lovell, Bo Burnham, Aidy Bryant, Matty Cardarople, Adeel Akhtar, Anupam Kher, Shenaz Treasury, Kurt Braunohler, Rebecca Naomi Jones, Celeste Arias, Myra Turley 
Género: Drama, romántica 
Duración: 119 min.

lunes, 23 de octubre de 2017

CRÍTICA DE AMOR A LA SICILIANA (2016)

10:32:00 0 Comentarios
ITALIANÍSIMO PIF: BUEN CINE A LA SICILIANA
Por Lucía Pérez García 


Qué bonita puede ser la guerra vista en una gran pantalla. Qué bonita cuando hay una historia de amor. Qué bonita cuando se disparan más chistes que balas. Qué bonita cuando tiene ese algo del cine italiano más bellissimo y delizioso, y del cine americano más entrañable. Y lo que es lo mismo, qué bonita cuando es tan surrealista y a la vez tan real. Amor. A la tierra donde nació: Sicilia. A su historia, personajes, tradiciones. Amor al cine: Benigni, Tornatore, Zeffirelli... Forrest Gump. Al arte (por algo es descendiente del escultor Thorvaldsen). A la risa: de sí mismo, de su gente, del mundo entero. A la elegante forma de ver la vida con las comisuras de la boca siempre hacia arriba. 

A la siciliana. Pif nos dijo en que La mafia solo mata en verano. Ahora nos cuenta el camino hacia la calurosa estación de la muerte. Con humor de voz cascada. Con mensajes y símbolos de brillante ingenio. Y con amor. Mucho amor. Amor a la siciliana. 


En guerra. La segunda. La mundial. Bellissima estampa de guerra color desgarrado. Impresionante a su propia escala. Operaciones previas al desembarco del Normandía. Otro lugar. Otra misión. Otro día D. Totalmente a la siciliana. Burro incluido. Porque sí. Allí hubo un burro. Aunque mordedor, que no volador. 

Viendo las italianísimas películas de Pierfrancesco Diliberto (Pif) nosotros también volaremos. Y, seguramente, seremos menos burros.  

Valoración: 7.5 / 10 


AMOR A LA SICILIANA, “IN GUERRA PER AMORE (2016) 
Director: Pierfrancesco Diliberto (Pif) 
Reparto: Pierfrancesco Diliberto, Miriam Leone, Andrea Di Stefano, Stella Egitto 
Género: Comedia, romance, drama, bélico 
Duración: 109 min.

miércoles, 18 de octubre de 2017

CRÍTICA DE LA LLAMADA (2017)

10:37:00 0 Comentarios
UNA LLAMADA PERDIDA 
Por Lucía Pérez García 


Si a Dios le gusta el electro latino, yo me hago atea. Otra cosa es que cante –y muy bien- por Whitney Houston. Y otra más curiosa aún, es que sea de un blanco lavado con Perlán. Cuando, docenas de películas mediante, ya me había hecho a la idea de que Dios era negro, viene este señor y me destroza las expectativas. ¿Qué canta por una negra? Ah, eso lo arregla todo. Bueno, no todo. Porque lo que no es Whitney Houston o Presuntos Implicados no se merece el cielo. O sea, que la música original brilla por su presencia, y no precisamente como el oro. Cuando Belén Cuesta y Gracia Olayo me cantan “Estoy Alegre”, yo les respondo que sí, pero que solo un poco. Cuando Macarena García me canta “Si esto es fe”, yo le digo que no. Y el remate. Cuando Macarena García y Anna Castillo me cantan “Lo hacemos y ya vemos”, yo les respondo que mejor que no, que no lo quiero ver. ¿Tan mal lo hacen? No. No es eso. Si cantar, cantan bien. Es otra cosa. Y no es precisamente una llamada. 



Tampoco es precisamente gracia. Ni divina ni de la otra. Un poco sí, pero a ratos. Todos los de Sor Bernarda, y algunos –demasiado pocos para la gracia que tiene Belén Cuesta- de Milagros. El niñateo tiene la gracia justa -muy justita- para justificar el cambio radical de las chicas y poco más. Y la cocinera es un añadido. Y no, no es que actúen mal –no hay nadie como Anna Castillo para hacer de niñata-. Es otra cosa. Es que no le termino de encontrar del todo la comedia. Ni el musical… 

Me prometieron que me llamarían, que escucharía la llamada. Me prometieron que sería divertida y que no querría colgar. Que la música hace milagros. Pero el único milagro que he presenciado durante la película ha sido que, por primera vez en mi vida, me ha gustado escuchar una canción de Presuntos Implicados. Y la única llamada que he recibido, me ha cogido con el móvil apagado. Normas del cine.  

Valoración: 6 / 10 


LA LLAMADA (2017) 
Director: Javier Ambrossi, Javier Calvo 
Reparto: Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo, Richard Collins-Moore, María Isabel Díaz, Secun De La Rosa, Víctor Elías, Esti Quesada 
Género: Musical, comedia, religión 
Duración: 108 min.

martes, 17 de octubre de 2017

CRÍTICA DE TOC TOC (2017)

11:49:00 4 Comentarios
EL TOC DE LA RISA
Por Lucía Pérez García  



No es lo que parece. No es lo que parece. Es una comedia. Sí. Es una comedia. Sí. Pero si lees entre líneas -y no las pisas-, no sales en ningún momento a lavarte las manos, y compruebas que no te has dejado nada atrás, verás cómo, no solo una sino, grosso modo, unas cuantas veces, la música delata, ta ta ta ta ta ta ta… lo que no parece pero si es. Lo que no parece pero si es. Además de una comedia que te deja ja ja ja ja ja ja ja… muerto risa. 

Porque quien no ha tenido un TOC o un tic tic tic tic… ¿Quién no ha tenido uno? No importa. No importa. Aun así, te reirás el número de veces necesarias para considerarlo un TOC. Si la película dura hora y media, y los tic empiezan a manifestarse en el minuto uno para acabar justo antes de los créditos, en el minuto noventa, con una media de veinte tics por minuto, grosso modo, da un total de un TOC de la risa realmente considerable con el añadido subjetivo de la empatía por asimilación –los personajes no son desiguales, el desigual eres tú y tus manías personales-. Y si a eso sumamos la risa que da el solo imaginar a Rossy de Palma, Alexandra Jiménez y Paco León compartiendo TOCs, y a Adrián Lastra haciendo malabares y triples saltos mortales con tirabuzón doble invertido, la frecuencia de carcajadas por minuto aumenta en un veinte por ciento justo antes del inicio de la película. Lo que viene a acelerar exponencialmente el comienzo de las risas, multiplicando por dos el resultado anteriormente obtenido, ido ido ido ido ido… y si eso no es un TOC, que venga Dios y lo vea, vía Rossy de Palma, contacto directo con el Señor de arriba a través de un magnífico trabajo de tricotaje. 



No sería lo mismo. No sería lo mismo. Con otro reparto, parto parto me parto. Aunque podría ser mejor sin la secretaria gritona, que merece todos los improperios y obscenidades que salen de la boca del señor con tourette. Pero como de locos va la cosa. De locos va la cosa. Y no hay más loco que el que se ríe de ellos. Nosotros nos convertimos en un loco más. Un loco más. Con el TOC de la risa. Y seguro que alguno que otro más, de cuya existencia no sabíamos nada nada nada nada. Aquí todos salen curados, menos nosotros.  

Valoración: 7 / 10 



TOC TOC (2017) 
Director: Vicente Villanueva 
Reparto: Paco León, Rossy de Palma, Alexandra Jiménez, Óscar Martínez, Adrián Lastra, Nuria Herrero, Inma Cuevas 
Obra: Laurent Baffie 
Género: comedia. 
Duración: 95 min.

lunes, 16 de octubre de 2017

CRÍTICA DE LA CABAÑA (2017)

10:13:00 0 Comentarios
EN EL NOMBRE DEL PADRE, DEL HIJO Y DEL ESPÍRITU SANTO 
Por Lucía Pérez García 


En busca de la felicidad más allá de los sueños habitaban angelitos negros que, en lugar de tocar las maracas, marcaban el ritmo al son de la música de Aaron Zigman. Todo era florido y hermoso. Porque de colores se visten los campos en la primavera. Así son los milagros del cielo según el director Stuart Hazeldine y, sobre todo, según William Paul Young, algo así como el escritor de Dios. Padre, Hijo y Espíritu Santo. Negro, por su puesto. Amarillo y chocolate. Lo de las barbas solo se lleva en la tierra. La eternidad es transcendente. Y lo transcendente es antiséptico y relimpio, a la par que ceremonioso, pausado, tranquilo y un poco lacio. Qué bonito todo. Qué paz. Qué lata en ocasiones. Pero qué bonito todo. Aunque un poco repipi, para que mentir. 

Entre carreras sobre el agua, paseos por jardines de fantasía y charlas al calor de un café, el cielo se abre para el personaje de Sam Worthington -acostumbrado a las asombrosas tierras de Avatar, no sé de qué se sorprende-. Miradas al interior, búsqueda de un sentido, perdón. Una homilía de poco más de dos horas camuflada tras un paisaje fabuloso y pronunciada por la siempre risueña Octavia Spencer con ayuda del curioso y simpático Jesús de Avraham Aviv Alush, una más aburrida Sumire en el papel del siempre incomprendido Espíritu Santo, y Alice Braga, una ocupa con aires de reina de las nieves llamada Sofía, alias sabiduría. Así, pues sí. Y si encima da un poco de pena, pues claro. Aunque es un poco repipi, para que mentir. 



Nada de lo que dice está fuera de lugar. A muchos les abrirá su propio cielo. A otros les cerrará los ojos de sueño. A unos les hará pensar. A otros no les gusta que las películas les hagan pensar. A unos les señalará un nuevo camino. A otros les señalará el camino a casa desde el cine. A unos les gustará, y llorarán. A otros les hará despotricar. Pero a nadie le habrá hecho mal. Y además, es todo super bonito. Aunque un poco repipi, para que mentir.  

Valoración: 5.9 / 10 



LA CABAÑA, “THE SHACK” (2017) 
Director: Stuart Hazeldine 
Reparto: Sam Worthington, Octavia Spencer, Tim McGraw, Radha Mitchell, Graham Greene, Megan Charpentier, Ryan Robbins, Gage Munroe, Jordyn Ashley Olson, Alice Braga, Sumire Matsubara, Avraham Aviv Alush, Lane Edwards, Carolyn Adair 
Libro: La cabaña, de William Paul Young. 
Género: Drama, religión 
Duración: 132 min.

domingo, 15 de octubre de 2017

CRÍTICA DE LA SUERTE DE LOS LOGAN (2017)

12:35:00 0 Comentarios
QUE SUERTE LA NUESTRA 
Por Lucía Pérez García 


La suerte no es de los logan, sino nuestra. Por razones varias. 1. Ha vuelto el mejor Steven Soderbergh; 2. Y lo ha hecho para divertirnos; 3. Con un reparto que echa chispas; 4. Y una película de acción-robos-coches que es más que acción, robos y coches; 5. Donde hasta los créditos finales son geniales; 6. “Nobody was robbed during the making of this movie. Except you”; 7. Con unos euros menos, pero estamos de suerte. 

No esperes la genialidad de Traffic ni los premios de Erin Bockovich o Detrás del candelabro. Eso sería demasiada suerte. No esperes el drama y el suspense de Contagio y Efectos secundarios. No se puede tomar todo en serio. No esperes la superficialidad sudorosa de Magic Mike. Esto es otra historia. Espera, si acaso, el descaro y la simpatía de la saga Ocean. Pero no exactamente. Olvida la etiqueta. Aquí lo que se lleva son las rayas, blancas y negras, del un mono carcelario que ni los hermanos Dalton. Olvida la elegancia. Del hortera al kitsch, pasando por la América profunda. Y olvídate del mundo. Disfruta del momento. Solo son dos horas… pero estamos de suerte: se pasan volando. 


¿Los culpables? El reparto. Especialidad de la casa Soderbergh. Porque él sabía que Channing Tatum se metía en cualquier fregado. Sabía que Adam Driver tiene talento, y cara, para lo que le echen -y para lo que le quiten, en este caso, medio brazo-. Sabía que podía contar con sorpresas como Hilary Swank. Y sabía, sobre todo, que Daniel Craig era más que James Bond. Muchísimo más. Su Joe Bang se merece que le paguemos la fianza, que le pongamos un piso y que le demos un Oscar a mejor actor secundario –también vale un globo de oro-. Lo de los secundarios ya es un regalo. 

Si la música hubiera salido de la batuta de un buen compositor o de la astucia del guionista de Baby Driver, y si la cosa no fuera tan ligera y simpaticona, podríamos cantar un pleno. Pero no olvidemos que, mientras nosotros nos divertimos, ellos nos están robando. 

Valoración: 7.5 / 10 


LA SUERTE DE LOS LOGAN, “LOGAN LUCKY” (2016) 
Director: Steven Soderbergh 
Reparto: Channing Tatum, Adam Driver, Farrah Mackenzie, Riley Keough, Daniel Craig, Katie Holmes, Charles Halford, Seth MacFarlane, Jack Quaid, Brian Gleeson, Katherine Waterston, Dwight Yoakum, Sebastian Stan, PJ McDonnell, Robert Fortner, Hilary Swank, David Denman Género: Acción, comedia, robos 
Duración: 118 min.

viernes, 13 de octubre de 2017

CRÍTICA DE LA SEDUCCIÓN (2017)

10:07:00 0 Comentarios
UNA SEDUCCIÓN A MEDIAS 
Por Lucía Pérez García 


Si existe el cine femenino, es el de Sofia Coppola. Una directora que seduce. A su particular manera. No es exactamente elegancia. Es algo entre el kitsch y la distinción. Entre el glamour hortera y la etiqueta. Algo que está presente en cada detalle. Desde la fotografía al diálogo. Pero que tiende a enfocarse en el vestuario y la ambientación. Manierismo, si se quiere, con genes Coppola y con nombre Sofia. 

Pero esa seducción que aguanta cualquier época y lugar –desde la Francia del siglo XVIII hasta Los Ángeles del siglo XXI- no llega con la misma fascinación a la América sureña del XIX. Si lo hace, sin embargo, con el mismo tono de ensueño que la versión de Don Siegel de 1971. Con la misma atmósfera borrosa de tensión –léase como se quiera- acumulada. Pero con un resultado conjunto ligeramente inferior, pese a que el éxito, que no acompañó en su momento a la primera, le ha venido cortejando en su aun corto recorrido. Cuestión de seducción. 


Cuestión de Phoenix o Lalo Schifrin. Y cuestión, sobre todo, de Clint Eastwood o Collin Farrell. Para gustos los colores. Para encontrar un hombre en el bosque mejor el joven Eastwood que el soso Farrell. Seducido, sin embargo, por un reparto femenino digno de la señora Coppola que no tuvo aquel, lo soso se adereza. Eastwood ya estaba aderezado sin necesidad de picante. La diferencia es clara. Y es que el de Sofia es un cine femenino -que no feminista- con mayúsculas. Un cine de estética sedosa y actrices talladas en marfil, donde hasta la canción “Lorena” se olvida del amor melancólico de aquel Ethan Edwards de Centauros del desierto, para adentrarse en el más oscuro mundo de la seducción. 

Valoración: 7 / 10 

 
LASEDUCCIÓN, “THE BEGUILED” (2017) 
Director: Sofia Coppola 
Reparto: Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, Oona Laurence, Angourie Rice, Addison Riecke, Wayne Pére, Emma Howard, Matt Story
Libro: The beguiled, de Thomas Cullinan.
Género. Drama, Guerra Civil americana 
Duración: 91 min.

jueves, 12 de octubre de 2017

CRÍTICA DE TU MEJOR AMIGO (2017)

10:08:00 0 Comentarios
UN PERRO CON SIETE VIDAS 
Por Lucía Pérez García  



W. Bruce Cameron es algo así como el Nicholas Sparks perruno -yo sospecho que es el perro escritor de Nicholas Sparks-. Lasse Hallström es un poco Nicholas Sparks (Querido John, 2010; Un lugar donde refugiarse, 2013), un poco perruno (Siempre a tu lado (Hachiko), 2009), un mucho romántico (Las normas de la casa de la sidra, 1999; Chocolat, 2000), y se está volviendo un poco perro (El hipnotista, 2012; Un viaje de diez metros, 2014). Las mascotas están de moda. Las novelas romanticonas se venden a miles. Malas, malísimas o indigestas. Siempre enganchan. Como las correas de perro. La fórmula es, pues, exacta. Si después tenemos que recoger los desechos con una bolsa, es cosa nuestra –hay quien los deja en el suelo para que los pisen otros-. Pero el gusto no te lo quita nadie. A todos nos alivia un paseíto de vez en cuando.  

Tu mejor amigo es un Mira quien habla canino donde un pariente romántico de Lassie se reencarna hasta la eternidad, mirándote con ojitos y dándote la patita en cada fotograma. No existe excusa más infalible que bolas de pelo espachurrables con voz propia y sentido del humor animal. Y no existe mejor excusa para dirigir a un perro que darle el papel de celestina. Con final feliz, por su puesto, donde todos son felices y comen perdices y Friskies. Si los perros fueran rosas, sería perfecto. 


Pero ni los perros ni Lasse Hallström son perfectos. Las vidas del perrito en cuestión no están bien equilibradas, y el pobre Dennis Quaid se tiene que conformar con tres perros minutos, mientras que su yo adolescente se traga media película y el resto de dueños ocupa metrajes desiguales sin mucho que decir más que el paso del tiempo. Un tiempo que va acompañado, como no podía ser de otra manera, de las notas de la señora Rachel Portman. No hay más que decir. Seis ladridos. Ni uno más, porque no será la película de nuestras vidas. Ni uno menos, porque, sí, es una película espachurrable.  

aloración: 6 / 10 


TU MEJOR AMIGO, “A DOG’S PURPOSE” (2017) 
Director: Lasse Hallström 
Reparto: Dennis Quaid, Britt Robertson, Bryce Gheisar, Juliet Rylance, Luke Kirby, Josh Gad, K.J. Apa, Peggy Lipton, John Ortiz, Gabrielle Rose, Michael Bofshever, Kirby Howell-Baptiste, Pooch Hall, Nicole LaPlaca, Peter Kelamis, Caroline Cave, Michael Patric, Naomi Frenette, Robert Mann 
Libro: La razón de estar contigo, de W. Bruce Cameron 
Género: Drama, romántico, animales 
Duración: 100 min.