lunes, 22 de enero de 2018

CRÍTICA DE ME ESTÁS MATANDO, SUSANA (2016)

10:33:00 0 Comentarios

ME ESTÁS MATANDO, GAEL GARCÍA BERNAL


Puede ser Mozart in the jungle. Puede ser un esqueleto olvidado. Puede ser una mujer de mala educación, pero tan guapa como él mismo. Puede hablar todos los idiomas de Babel. Escribir su diario en una motocicleta. Ser perro y dar mucho amor. O, como este caso, exigirlo. Escarbando hasta los fondos más recónditos. Con las herramientas más puntiagudas. Sin mirarse las manos. A la brava. Pero con mucha gracia. La de un hombrecito que encandila, no importa el método ni la razón.



Todo es tan condensado que no cabe en un solo género. Romance, comedia, drama, road movie, inmigración… Y todo lo lleva a cuestas el protagonista. Hasta a su compañera, literalmente. Contrapunto serio y elegante a los nervios, la ansiedad y la personalidad irreprimible de un hombre buscando su respuesta. Como decía Amaral: a veces te mataría, y otras en cambio te quiero comer. Bien podían llamarle cabecita loca.

Tan loca que no acaba de encajar en todo lo que quiere llevar por delante. Aunque es precisamente esa misma locura la que define y moldea al personaje principal. Un hombre descrito a través de canciones que expanden la locura hasta el mismo final de los créditos.

Una palabra que se atasca. Una sonrisa que no quiere salir, pero lo desea desesperadamente. Un aguantarse sin poder hacerlo. Un final, que no podía más que no serlo.

Valoración: 6.5 / 10



ME ESTÁS MATANDO, SUSANA (2016)
Director: Roberto Sneider
Reparto: Gael García Bernal, Verónica Echegui, Ashley Hinshaw, Daniel Giménez Cacho, Björn Hlynur Haraldsson, Cassandra Ciangherotti, Barbara Garrick, Gabino Rodríguez, Andrés Almeida, Tristan Carlucci, Jadyn Wong, Maite Suarez Diez, Julian Sedgwick, Will Woytowich, Adam Hurtig, Gordon Tanner, Jeremy Walmsley, Ilse Salas, Juan Pablo Medina
Género: Drama, romántica
Libro: Ciudades desiertas, de José Agustín
Duración: 102 min.

domingo, 21 de enero de 2018

CRÍTICA DE LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO (2017)

20:13:00 0 Comentarios

LOS ARCHIVOS DEL SEÑOR SPIELBERG


El periodismo es un género por sí mismo, en cualquiera de sus versiones: películas basadas en artículos de prensa (Dallas Buyers Club, The Bling Ring, Bernie), y películas sobre la profesión, desde diferentes perspectivas (desde la obra maestra del cine Ciudadano Kane o la capriana Juan Nadie, pasando por la simpática Luna Nueva o la desasosegante Network, hasta la oscarizada Spootlight, la entrañable La vida Secreta de Walter Mitty o la inquietante Nightcrawler). Pocas se quedan en la simple reseña. La mayor parte, incluso, terminan generando artículos elogiosos y haciéndose con premios tan codiciados, o más, que el Pulitzer. No hay director que se resista. El mundo del periodismo da para muchos titulares. Cada cual escrito con la maestría propia del autor correspondiente. Normalmente un gran cineasta. Pero cuando ese autor se llama Steven y se apellida Spielberg… ¡Paren las rotativas! Esto se merece estar en primera plana.



No tanto por la noticia. No especialmente por la correcta y concisa música de John Williams. Tampoco por los meritorios protagonistas. Es el ojo de Spielberg el que aporta la magia: la elegancia de los movimientos de cámara, los planos secuencia, las transiciones entre un plano genial y uno magnífico, los puntos de vista, los encuadres… No hay lugar para la distracción. La atracción es continua y perenne. Un regalo para los sentidos -no solo cinéfilos-. Un regalo para la vista que, al abrirlo, nos hace sentir que vemos con más claridad.

Lo que Spielberg no convierte en noticia, es que no merece serlo. Y pocas cosas no lo merecen cuando caen en sus manos.

Valoración: 8 / 10



LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO, “THE POST” (2017)
Director: Steven Spielberg
Reparto: Tom Hanks, Meryl Streep, Jesse Plemons, Bob Odenkirk, Matthew Rhys, Michael Stuhlbarg, Sarah Paulson, Alison Brie, Carrie Coon, David Cross,
Bruce Greenwood, Tracy Letts, Bradley Whitford, Zack Woods
Género: Drama, periodismo
Duración: 116 min.

sábado, 30 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE THE SINNER (2017)

10:15:00 2 Comentarios

CAER EN PECADO


¿Quién es el pecador? ¿Cuál es el pecado? ¿Está justificado? ¿Es pecado pecar?? ¿Cuántas veces? ¿Por quién? ¿Por qué? 

El pecado original. Origen de pecados. Mentes sin libre albedrío. Cuerpos destrozados desde el origen, en busca del pecado que les muestre el origen de su destrozo. Buscadores de pecados por la vía del pecador. Bien y mal en un mismo círculo. Vicioso. En un mismo lugar. De olor corrompido. Sonido punzante. Vista nublada. En un mismo mundo. Tan diferente. 

Y si la culpa de Jessica Biel no es suficiente. Si crees que hay un camino diferente. Alejado del símbolo del pecado. Negro. Si no quieres introducirte más allá de lo ya predecible desde inicio. No llegues al final. No peques. 

Valoración: 7.5 / 10


THE SINNER (2017)
Director: Antonio Campos, Brad Anderson, Cherien Dabis y Tucker Gates
Reparto: Jessica Biel, Bill Pullman, Christopher Abbott, Jacob Pitts, Nadia Alexander, Patti D'Arbanville, Abby Miller, Eric Todd, Dohn Norwood, Kathryn Erbe, Teri Wyble, Robert Funaro, Devin McGee, Michael H. Cole, Gretchen Koerner, Ruby Barnes, Leslie Fray, Katelyn Farrugia, Meredith Holzman, Sunshine Tovar, Anna Elizabeth, Stephanie Olah Kelly, Danielle Burgess, Enid Graham, C.J. Wilson, Susan Pourfar, Peggy Gormley, Joanna Adler, Adam LeFevre, Joseph Melendez, Jacob Berger
Género: Thriller, serie de TV
Duración: 8 capítulos de 40 min.


miércoles, 27 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE THE DISASTER ARTIST (2017)

10:03:00 2 Comentarios

MAMÁ, QUIERO SER ARTISTA


Mamá, quiero ser artista.
Yo, de mayor, quería ser Spielberg.
Ahora quiero ser James Franco.
Pero me siento un poco como Tommy Wiseau…
¿Y quién no?
¡Qué desastre!

A todos los que sueñan –despiertos, dormidos y dormitando-.
A todos los pesados que insisten, e insisten, e insisten, y así sucesivamente hasta el infinito y más allá.
A todos los que lo hicieron, lo hicieron, aunque fuera una mierda, pero lo hicieron, y le dijeron naaaaaaaaaaaaaaaaaaaa…
A todos los que, a pesar de eso, siguieron siendo unos pesados insoportables.
A los que se ríen de sí mismos, JA JA JA
A todos los vampiros: los chupasangre y los que no duermen de noche porque no pueden dejar de soñar.
A todos los James Dean que viven en su propio mundo, al este del Edén.
Al arte ¿existe el arte malo?
A las pantallas verdes y los decorados de cartón, cuya existencia queda así justificada.
Al cine.



Que hace reír. DEMASIADO. Que hace llorar. AUNQUE SEAS UN VAMPIRO (LOS VAMPIROS TAMBIÉN TIENEN SENTIMIENTOS). Que emociona. MUCHO. Que empuja hacia delante. PARA QUE TE CAIGAS Y VUELVAS A LEVANTARTE. Que te deja pegado en la butaca. AUNQUE DURASE CINCO HORAS. Que te hipnotiza hasta el punto de querer repetir una, y otra, y otra vez. CUESTE LO QUE CUESTE... LA ENTRADA. Que te descubre un mundo. PORQUE TODOS PODEMOS TENER UNO, Y HACERLO REALIDAD. Que te hace querer a los personajes más espeluznantes. Y REPITO, ¿HAY ARTE MALO? LOS VAMPIROS TAMBIÉN TIENEN SENTIMIENTOS. Abrazar a los personajes más tontunos. OH HUTCHERSON, HUTCHERSON, BOY. Y sorprenderte con… ¿ZAK EFRON? Que te enseña. LO QUE ES DE VERDAD EL CINE. LO QUE ES DE VERDAD LA AMISTAD. LO QUE ES DE VERDAD, Y LO QUE NO. Que pide un Oscar. O UNOS CUANTOS: ACTOR, DIRECTOR, PELÍCULA, GUIÓN ADAPTADO… Y ¿POR QUÉ NO UNO PARA LA MÚSICA DE DAVE PORTER? Que pide más, y más y más. Porque un vampiro nunca se sacia: de pasión. Y es PASIÓN lo que yo veo.

Mamá, quiero ser artista. Aunque sea un desastre.

-Mi crítica del estreno en España: Crónicas del Festival de San Sebastián 2017.

Valoración: 10 / 10


THE DISASTER ARTIST (2017
Director: James Franco
Reparto: James Franco, Dave Franco, Alison Brie, Josh Hutcherson, Seth Rogen, Zac Efron, Sharon Stone, Bryan Cranston, Kate Upton, Hannibal Buress,
Jacki Weaver, Nathan Fielder, Jerrod Carmichael, Zoey Deutch, Kristen Bell, Lizzy Caplan, Megan Mullally, Jason Mantzoukas, Adam Scott, Eliza Coupe, J.J. Abrams, Tommy Wiseau, Melanie Griffith, Judd Apatow, Christopher Mintz-Plasse, Zach Braff, Randall Park, Greg Sestero
Género: comedia
Libro: The disaster artist, de Greg Sestero.
Duración: 104 min.

viernes, 22 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE BIG LITTLE LIES

11:27:00 2 Comentarios

PEQUEÑAS MENTIRAS, GRAN CINE


Solo una pequeña mentira. Big Little Lies no es una serie, es cine. Del grande. Nada escapa al alma salvaje de Jean-Marc Valleé. Demolición total. Locura. Una historia cuyo carácter disfuncional es directamente proporcional a la funcionalidad de un guion y un montaje asombrosos. Una disfuncionalidad que sobrepasa a los personajes. Unos personajes moldeados por la fuerza de la naturaleza. Una naturaleza brutal. Una brutalidad demente. Una demencia hipnótica. Un hipnotismo musical. Una música corrosiva. Una corrosión sin cordura. Una cordura que es una gran mentira.

Maltrato, acoso, pareja, hijos. Actualidad. Atmósfera ácida, sutil y elegante propia del cine canadiense. Un reparto que debe mentir para no quedar eclipsado por la genialidad del vecino. Una música penetrante e imposible de olvidar, supervisada por la infalible Susan Jacobs. Siete capítulos de suspense entrecortado por flashes que son de todo menos luminosos. De todo menos luminarios.


Vidas perfectas. Sonrisas brillantes. Tacones altos. Un mar. Tempestad. Una ola que rompe. Punzadas en el oido. Flashfoward. Sombra de muerte. Miedo. Al límite de todo. Hasta la histeria y el grito. A escondidas. Hasta la angustia y el impulso. Hasta el deseo. ¿De qué? Inesperado. Apasionadamente violento. Sorprendente. Impactante. Un fin más grande que la propia mentira. Un fin que, por sublime, nos hace más pequeños.
 
Valoración: 9.5 / 10


BIG LITTLE LIES (2017)
Director: Jean-Marc Vallée
Reparto: Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley, Alexander Skarsgård, Laura Dern, Zöe Kravitz, Adam Scott, James Tupper, Iain Armitage, Hong Chau
Libro: Big Little Lies, de Liane Moriarty
Género: Drama, thriller
Duración: 7 capítulos de 50 min

domingo, 17 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE ABRACADABRA (2017)

9:54:00 0 Comentarios

Pablo Berger vuelve a hacer magia



Lo que hace Pablo Berger no es magia, pero puede ser hipnótico. Con o sin sonido. Con o sin color. Un actor cualquiera. Una actriz u otra. Comedia, drama o fantasía. Poco (solo tres películas) pero contundente. Un director que con solo decir ¡Abracadabra! hace aparecer una buena película. Un director para el que no existe eso de a la tercera va la vencida, sino vine, rodé y vencí.

Comedia de subgénero indefinido. Película surrealista de ciencia ficción. Thriller psicológico de Carabanchel. Drama romántico de crisis de pareja. Fantasía hipnótica sin cereza absoluta. ¡1, 2, 3! ¡Abracadabra! Y como por arte de birlibirloque, los actores mutan en cuerpo y espíritu. Y los protagonistas pasan ante tus ojos como nunca los habías visto. Y el argumento te atrapa cada vez más. Y las conexiones se hacen y deshacen a su antojo, o por trampantojo. Y un minuto piensas y al otro piensan por ti. Y mientras unos se empeñan en hacer películas en 3D, otros, como Pablo Berger, son capaces de hacerlas en nuestra propia mente. Muchos trucos, pero no hay truco que valga. ¿O sí? ¿Pillarás el truco final?

Valoración: 7.8 / 10


ABRACADABRA (2017)
Director: Pablo Berger
Reparto: Maribel Verdú, Antonio de la Torre, José Mota, Josep Maria Pou, Quim Gutiérrez, Priscilla Delgado, Saturnino García, Ramón Barea, Javivi, Julián Villagrán, Rocío Calvo, Javier Antón, Janfri Topera, Fabia Castro, Bea de la Cruz
Género: Comedia
Duración: 96 min.

miércoles, 13 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE DÍA DE PATRIOTAS (2016)

16:15:00 0 Comentarios

CINE Y ATLETISMO: TERRORISMO, SEGURIDAD Y DEPORTE


Un maratón no es solo una carrera de 42.195 metros. Detrás, delante y entre los miles de atletas, voluntarios y organizadores hay todo un dispositivo de seguridad que, pese a las molestias y pérdidas de tiempo que a veces supone, es tan necesario como el avituallamiento. Controles en la salida, inspecciones, nada de coger objetos del público, nada de celebrar la llegada con un selfie, policías por aquí, policías por allá, de uniforme, de paisano, a pie o motorizados. No hay excusas. No es la primera vez que el terrorismo se enfrenta -real y cinematográficamente hablando- con su opuesto (Munich). Los espectáculos deportivos son objetivos atractivos y el mundo no está para bromas. Los maratonianos tampoco.

Aquellos que entrenaron meses para estar en la salida del maratón de Bostón 2013, o que entrenaron la paciencia durante semanas para animar a un atleta por las calles de la ciudad y llegar antes que él a la salida, sabrán que no fue cosa de chiste. Tres muertos y 282 heridos por las bombas, más un muerto y otros heridos en los tiroteos posteriores. Dos ollas a presión, llenas de metralla, colocadas a ras de suelo. Muchas piernas amputadas. Si eres persona, puedes imaginarlo. Si eres atleta, no querrás ni pensarlo.

Contada desde el punto de vista de un agente de policía, Día de Patriotas se centra en la investigación. Desde la primer detonación hasta la captura del segundo de los terroristas días después de los hechos. Seriedad, realismo y veracidad. Diálogos precisos y sin florituras. Actuaciones correctas. Fotografía adecuada a la gravedad del asunto. Acción limitada a los hechos y mucha tensión. Mucha. La tensión y el suspense mantenidos de saber el resultado pero temer en todo momento por su no resolución.

A parte de alguna exageración espectacular, no hay distracción sentimental ni subtramas innecesarias. El argumento está enfocado al asunto principal. El entorno y sus consecuencias solo existen en los momentos exactos donde su presencia está justificada. Los cinco sentidos se activan para no perderse en la niebla de lo sentimental. Solo al final, cuando todo está hecho y los testigos reales nos cuentan su experiencia, los sentidos descansan en el sentimiento contenido. Al fin podemos dar rienda suelta a la tensión acumulada. Alegría, tristeza y esfuerzo a partes iguales. Como en un maratón. Porque la seguridad también es una peligrosa carrera de fondo, que permite que todos corramos seguros.

Valoración: 8 / 10


DÍA DE PATRIOTAS, "PATRIOT`S DAY" (2016)
Director: Peter Berg
Reparto: Mark Wahlberg, John Goodman, Kevin Bacon, J.K. Simmons, Michelle Monaghan, Rachel Brosnahan, Alex Wolff, Melissa Benoist, Michael Beach, Khandi Alexander, Erica McDermott, Lana Condor, Dean Neistat, Vincent Curatola, John Enos III
Género: terrorismo, thriller, drama, basado en hechos reales
Duración: 130 min

CRÍTICA DE SUBURBICON (2017)

11:05:00 0 Comentarios

GEORGE CLOONEY NOS ABRE LAS PUERTAS DE SUBURBICON PARA ABRIRNOS LOS OJOS Y DEJARNOS CON LA BOCA ABIERTA 

La mejor zona, las mejores casas, los mejores servicios, los mejores vecinos, la mejor reputación y una familia de color. Una mancha negra en el expediente del mejor de los barrios americanos de diseño… Una mancha negra rodeada de manchas blancas que no pasarían la prueba del algodón.

Suburbicon es una psicosis a sangre fría en el barrio de Eduardo Manos Tijeras. Un lugar sobrevolado por el espíritu musical de Bernard Herrmann, la sombra de Hitchcock, el humo del cigarro de Truman Capote y el colorido del Barton más luminoso. Lo mejor de los Coen pasado por el filtro del mejor George Clooney. Cine negro a todo color. Humor negro con el color como mcguffing. Suspense, tensión, sangre y risa tan oscura como el género. La sonrisa falsa de la supuesta superioridad blanca, muerta de risa. Porque quien ríe último, ríe mejor.


Dos historias paralelas, en vivienda y en argumento, que terminan por encontrarse –muy sutil e inteligentemente- en un infinito: el que une el pasado con la actualidad. Sin lugar para el descanso eterno. Con mucho espacio para la crítica, la sátira y la política más correcta e incorrecta de los hombres al mando –de la película y del gobierno-. Personajes sin moral ni escrúpulos cayendo por su propio peso y ambición. Rostros de vida plena y satisfactoria como crónicas de una muerte anunciada. Lo sabemos desde hace tiempo, y no por ello deja de ser apasionantemente intrigante y apasionantemente risible en su incoherente y triste realidad.

Valoración: 8 / 10


SUBURBICON (2017
Director: George Clooney
Reparto: Matt Damon, Julianne Moore, Óscar Isaac, Glenn Fleshler, Noah Jupe, Michael D. Cohen, Steve Monroe, Gary Basaraba, George Todd McLachlan, Carter Hastings, Dash Williams, Alex Hassell, Lauren Burns, Tony Espinosa
Género: Cine negro, comedia negra
Duración: 105 min

domingo, 10 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE THE SQUARE (2017)

20:00:00 0 Comentarios
¿Te atreves a entrar en el cuadrado?


Es curioso cuando las colas se convierten en cara-colas y dan vueltas y vueltas alrededor del más insignificante, e incluso inexistente, mobiliario urbano hasta perder la cola. Cuando la pescadilla, literalmente, se muerde la cola, y la cola vuelve a empezar espontáneamente, derivando en figura geométrica alternativa, o similar. Entonces llegas tú, inocente y emocionada, con tu entrada de cine en la mano, y preguntas: “¿Es esta la cola para la sala 1?” Y nadie sabe nada. Y llega otro iluso y te hace a ti la misma pregunta. Y tú tampoco lo sabes. Y la cola se va formando aleatoriamente. Y tú te empiezas a hacer mucho pis. Y le pides al de detrás que te guarde el sitio. Y sales corriendo, pensando que acabas de arriesgar tus cervicales ofreciendo tu total confianza a un desconocido. Pero tienes mucho pis, y dos horas y veinte minutos de película por delante. Y al volver, ya no recuerdas la cara del desconocido. Porque es eso, un desconocido. Y la cola ya no es lo que era. Y giras y giras sin rumbo definido hasta que alguien grita: “¡Chica!”. Y te sientes aliviada. Y la cola empieza a correr hasta que ya no es cola. Y la película empieza. Y la película acaba. Y no sabes si te han engañado o no. Y piensas. Y piensas. Y piensas… hasta que la pescadilla se muerde la cola y desconfías de tus pensamientos. Y quieres escribir. Y quieres que se fíen de tu crítica fundamentada como historiadora del arte que ha visto una película sobre arte. Y no sabes que escribir para no parecer bohemia. Y la lías. Como una caracola. Y vuelta a empezar. Si la cola hubiera sido cuadrada…

“El Cuadrado es un santuario de confianza y solidaridad. Dentro de él todos tenemos los mismos derechos y obligaciones”.

¿Estás segura que va sobre la confianza? ¿o lo aparenta? Aparenta. Aparente. Apariencia… ¿apariencias? Y todos los de la sala salimos aparentando que somos súper expertos. Y todos ponemos cara de estar mirando una instalación súper conceptual en un museo. Y llegamos a casa y vemos un telefilme alemán de sobremesa. Pero todos hemos entendido The Square.

¿Sobre el contraste entre la imagen y la verdadera personalidad? Y un niño de cinco años se acerca y te dice que porque ves películas tan aburridas que solo dicen tonterías. Y tú le intentas explicar. Y el niño te mira con cara. Y tú acabas dándote cuenta de las tonterías que estás diciendo.


¿Y el arte? Y descubres lo que ya sospechabas sobre el mundo del arte contemporáneo, y de la mejor y más mordaz forma posible. Que un bolso en un museo no es una obra de arte. Que muchas exposiciones nos toman el pelo. Que muchas performances nos tiran del pelo, literalmente. Que ni ellos mismos se lo creen. Que detrás de un traje y una tarjeta de visita de diseño hay un personaje. Y que un niño te puede escupir en la cara. Y el escupitajo sí que será arte.

¿En fin? Hay escenas de un humor soberbio e inteligente. El humor de Ruben Östlund, que además de ser muy aficionado al arte contemporáneo, es bastante peculiar, y a mí me hace gracia. Todo se remonta a aquella película sobre la avalancha donde un padre salvaba su móvil antes que a su familia. Muy serios los adultos, pero luego se comportan como niños. Parecen muy importantes, pero no se puede confiar en ellos. Y mientras, los niños, más coherentes, se lo echan en cara. Qué buena era eh. ¿Cuál? Fuerza mayor. Y esta, ¿es buena? Ha ganado en Cannes. ¿Pero? Es complicada. ¿…? Es graciosa. ¿Te estás haciendo la sueca? No. El sueco es el director.

Valoración: 7 / 10


THE SQUARE (2017)
Director: Ruben Östlund
Reparto: Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, Christopher Læssø, Marina Schiptjenko, Elijandro Edouard, Daniel Hallberg, Martin Sööder, Linda Anborg, Emelie Beckius, Peter Diaz, Sarah Giercksky, Jan Lindwall
Género: Comedia, arte
Duración: 142 minutos.

CINE Y ARTE: LOVING VINCENT (2017)

19:05:00 0 Comentarios

IMPRESIONANTE IMPRESIONISMO CINEMATOGRÁFICO

Por Lucía Pérez García




Animación o no, nunca he visto nada tan real. Una película que huele a óleo. A toneladas de óleo. Una película con empaste. Que se toca y se ve. Se siente.



El paisaje por el que has paseado millones de veces. Los personajes con los que has pasado horas y horas hablando de la vida, y de la muerte. Un hombre pelirrojo pegado a un pincel. Llueva o nieve. Corazón y alma. Emoción brillante e inquieta. Eterno parpadeo de angustia y pasión. Quietud inexistente. Luz de día y luz de noche. Perspectiva perdida en los recovecos del subconsciente creativo. Tristeza errabunda que alegra la vida. Un girasol. Un campo de trigo. Un cuervo. Una Estrella. Millones. Remolino sin forma que da forma a un mundo: Van Gogh.



Minimalismo para el impresionismo de una mente. Clint Mansell y un piano que siempre toca. Nervios frágiles de pintura. Incapaces de permanecer. Desgarrados. Cambiantes. Y la luz. Presente y escondida al mismo tiempo. Voces. Llamadas de locura. ¿Locura? Arte y nada más. Y una canción: “Vincent (Starry, Starry Night)”, de Don MacLean. Si Van Gogh fuera música.




Armand Roulin en busca de un misterio. El doctor Gatchet y un secreto. Tanguy, Gaugin, Pissarro, Lautrec. Surealismo, simbolismo, impresionismo, París. La iglesia de Auvers-sur-Oise. El café Terrace Place Du Forum. De noche. Estrellada. Campos de trigo. Olivos. Una habitación. Unas botas. Gente: Marguerite Gachet, el cartero Joseph Roulin, Theo... Vincent. También fue.



“Por momentos tengo una lucidez terrible, cuando la naturaleza es tan bella como en estos días y entonces dejo de sentirme y el cuadro me viene como en un sueño”. Mejor incluso que el de Kurosawa. Más sueño. Porque es no es de otro, sino suyo. Una película pintada a su imagen y semejanza. Van Gogh. Una historia del arte. Una vida en un gran guión. Un guión que es un cuadro. Un cuadro al que ni Kirk Douglas ni Anthony Quinn añadirían un plus, porque ella sola es plus que la propie vie.



Valoración: 9.5 / 10




LOVING VINCENT

Director: Dorota Kobiela yHugh Welchman
Reparto: Douglas Booth, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Chris O'Dowd, Jerome Flynn, John Sessions, Holly Earl, Robert Gulaczyk, James Greene, Bill Thomas, Martin Herdman, Josh Burdett, Richard Banks, Shaun Newnham
Género: Animación, drama, arte, biopic.
Duración: 95 min.

viernes, 8 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE EL LIBRO DE HENRY (2017)

19:31:00 0 Comentarios

El libro que nunca querrías leer


He aquí una película tan anclada en la actualidad que hasta los dos principales agentes del título, el libro y Henry, son superados por sus versiones más renovadas, una cinta de casete y un hermano pequeño. He aquí una película que nos engaña desde el principio.

Estética ochentera: desde el cartel hasta las ilustraciones del libro, pasando por el diseño de producción al completo; uno de los niños de It con unas súper gafas estilo Midnight Special: Jaeden Lieberher; el mini actor más codiciado de Hollywood que tuvo la suerte de nacer al cine en La Habitación adecuada en el momento adecuado: Jacob Tremblay; dos temas candentes: el bulling y el acoso sexual; dos temas lacrimógenos: la pérdida de un ser querido y el recuerdo: el compositor de moda: Michal Giacchino… y hasta Naomi Watts tocando el ukelele. La mismísima fórmula del éxito resumida en un pésimo guión y sus consecuencias inverosímiles. A Colin Trevorrow se lo comió su propio dinosaurio.


No hay que preguntarse por qué. La pregunta es cómo. ¿Cómo una película arma tanto jaleo para contar una historia que podría haber tenido pies pero pierde totalmente la cabeza? Y lo que es peor: ¿Cómo un niño de once años puede cargarse a las espaldas toda una producción de Hollywood y ser el único superviviente? A veces más vale dejar el libro a la mitad, o no abrirlo nunca.

Valoración: 4.8 / 10


EL LIBRO SECRETO DE HENRY, “THE BOOK OF HENRY” (2017
Director: Colin Trevorrow
Reparto: Naomi Watts, Jaeden Lieberher, Jacob Tremblay, Dean Norris, Sarah Silverman, Lee Pace, Maddie Ziegler,
Bobby Moynihan, Marjan Neshat, Deborah Rayne, Maxwell Simkins, Mary Joy
Género: Drama
Duración: 105 min.



miércoles, 6 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE MY LITTLE PONY: LA PELÍCULA (2017)

11:19:00 0 Comentarios

¿ALGÚN PONY POR AQUÍ?


Mi colección de ponies relinchaba de felicidad. Treinta años después, ¡los ponies volvían al cine! Tuve que abrir la caja y dejarlos galopar hasta que sus energías de juguete se gastaron. Marqué el día en el calendario. Los ponies volvieron al paso para dormir su sueño de plástico. Esa noche soñé que Raimbow Dash arrastraba las nubes para que siempre saliera el sol.

Llegado el día, las palomitas de colores inundaron la sala. Crines y colas cepilladas. Cutty Marks relucientes. Ojillos brillantes. Sombrero a lo Applejack bien encajado. Peli a punto de empezar. Último repaso mental a las siete temporadas de la serie. Entran los pegasos. Las palomitas vuelan por los aires.

Todas las princesas reunidas y una difícil tarea para Twilight: otra celebración. Y es que Equestria tiene un calendario festivo singular y ligeramente extenso, seguramente diseñado por Pinky Pie. No hay temporada que no contemple un feliz acontecimiento social. Siempre el mejor de la historia, por supuesto. Mis ponies y yo seguimos los preparativos con la atención de quien se los sabe de memoria.


Se abren los cielos. El malo llegó. Llegó, como no, el enemigo de la amistad. El pony sin amigos. El pony sin Cutty Mark. El pony incomprendido que se convierte en el más malo malísimo de los equinos. Otro más para la larga lista de ponies renegados que acaban siendo derrotados por la amistad multicolor: Sunset Shimmer, Starlight Glimmer, Trixie Lulamoon… y ahora Tempest Shadow.
A partir de aquí, todo normal. Nuevo pedido de palomitas. Esta vez de las normales.

Empieza entonces el desmadre pony, donde los ponies brillan por su ausencia: águilas, seaponies, un gato, un topo, extrañas criaturas de todos los tamaños, ponis mezclados con grifos. Discordia, el mejor villano de todos los tiempos, entra en la sala. Dejarlo fuera del argumento ha sido un error. Todos estamos de acuerdo y le acogemos amablemente.

Los fans de Applejack abandonan sus asientos. No hay derecho. No le dejan actuar, y encima le ponen el peinado más feo. Los de Fluttershy le siguen de cerca. Proliferan pancartas pidiendo la “igualdad pony: papeles equitativos para todos los ponies”. Alguien levanta una pancarta exigiendo la aparición, no solo el cameo, de las Cuttie Mark Crusaders. “¡Queremos a Scootaloo!”. Aunque no haya sido invitado a la película, Discordia sigue haciendo de las suyas dentro y fuera de la pantalla. Esto es un caos.


Menos mal que al final siempre gana la amistad. Pero así, sin más. Atrás quedaron los capítulos sorprendentes de las primeras temporadas. Lejos quedaron las segundas lecturas de unos ponies que iban más allá de su apariencia cursilona de juguete para niñas. Qué daño han hecho las dos últimas temporadas. Ojalá Twilight siguiera siendo aprendiz de princesa.

Cierro el establo. La última canción -porque la música es una de las especialidades de la casa- ha amansado a las fieras y la animación de los créditos ha calmado el ambiente. Es difícil resistirse a los ojillos gigantescos, el diseño individualizado y los colorines de estos caballitos miniaturas. Pero a veces se puede prescindir de ellos… una pena, penita, pena.


Valoración: 5 / 10


MY LITTLE PONY: LA PELÍCULA, "MY LITTLE PONY: THE MOVIE (2017)
Director: Jayson Thiessen
Género: Animación, aventuras.
Duración: 99 min.

domingo, 3 de diciembre de 2017

CRÍTICA DE COCO (2017)

10:47:00 0 Comentarios
RECUERDA
Por Lucía Pérez García


Lo que empieza siendo un repetitivo “Tu puedes” “Sigue tu camino (que, por supuesto, es la música)”, acaba siendo un bonito: “No te olvides”. Tú puedes, continua el camino y no olvides mirar atrás de vez en cuando, para recordar de dónde vienes. Los nombres se esfuman, e incluso se intercambian. Las piedras se erosionan y sustituyen. Las fotos se borran. Y los muertos…son muertos y nada más. Pero Coco, Miguel y Héctor tienen un secreto que te hará llorar, de recuerdo.

Ni de risa, ni de tristeza, ni de felicidad. De recuerdo. No son los ojos, sobresaturados de colores mexicanos y algunas criaturas ligeramente horteras –aunque sobrecogidos por una animación inmensa-. Tampoco la nariz, si no te gusta el olor espeso del maíz, ni el gusto de los tamales. El oído… espera al final, y recuerda esto.


Haz memoria. Cuando las aspiradoras barrían las bolas de los recuerdos inútiles ante la indignación de nuestro amigo imaginario en Del Revés. Cuando él mismo, al crecer, caía en el olvido, pero más allá de la pantalla el tuyo volvía a renacer. Cuando todos pensábamos que Dory no tenía padres y apareció una concha. Cuando pensábamos que el balleno era un idioma inventado y volvimos a hablar con nuestra amiga de cañería. Cuando Andy creció y todos quisimos jugar con sus juguetes para vivir nuestra propia Toy Story. Cuando recordaste y el placer de recordar trajo algo a la vida. Y lloraste, de recuerdo. Porque si de algo sabe Disney Pixar es de hacernos recordar, llorar y vivir.


No importa el doblaje en latino: 1. Porque estamos en México; 2. Porque es Gael García Bernal; y 3. Porque nos hace recordar el primer Disney -cuando la Sirenita se peinaba con un cachivache en vez de con un artilugio-. No importa que no seas aficionado a la ranchera: 1. Porque estamos en México; 2. Porque detrás está Michael Giachino; y 3. Porque la canción “Recuerdamé” seguramente gane el Oscar. Importa, un poquito, que no seamos mexicanos: 1. Porque estamos en México; 2. Porque no entendemos algunos chistes ni cameos; y 3. Frida Kalho es la excepción. Ella misma. Porque ella lo vale. Y porque solo ella puede hacer llorar a un cactus en llamas del que brotan miles de criaturillas cejijuntas –y aquí recordamos el gag abstracto de Del Revés, otro grato recuerdo marca Pixar-.

Nada importa demasiado cuando lo importante es recordar. Y Coco, más que ser recordada por ella misma, lo será por recordarnos tantos recuerdos que teníamos olvidados y que ya nunca más caerán en el olvido. Ahora, puedes llorar.

Valoración: 8 / 10


COCO (2017)
Director: Lee Unkrich y Adrián Molina
Género: Animación, aventuras, comedia, familia.
Duración: 109 min.

viernes, 17 de noviembre de 2017

CRÍTICA DE LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR (2017)

10:15:00 2 Comentarios
COMO TRATAR LA ENFERMEDAD CON AMOR DE CINE INDI  
Por Lucía Pérez García
 

No siempre el amor es una enfermedad, pero hay veces en las que, literalmente, es objeto de diagnóstico médico en varias de sus acepciones. Solo en esos momentos, y con determinadas condiciones, puede ser tratado con el adjetivo ‘gran’. Y, como todos sabemos, detrás de un ‘gran’ viene siempre una película, cuya grandeza suele ser indirectamente proporcional a la cantidad de ‘gran’ utilizada en el proceso. Es por eso, precisamente, por lo que la película de Michael Showalter puede contener el adjetivo en el título, y acompañarlo de la palabra enfermedad. El melodrama y la épica de las grandes historias de amor llevadas al cine desaparecen tras su condición de independiente nivel Sundance en grado máximo: desde la presencia de Zoe Kazan, que junto con Zooey Deschanel confirma la Z como la inicial predilecta de las chicas del cine independiente; hasta el humor propio del guionista y protagonista Kumail Nanjiani, testigo en primera persona de los acontecimientos reales; pasando por las referencias cinéfilo-seriéfilas, los supermercados, los portales con escaleras, los colchones en el suelo… solo el nombre de Judd Apatow retiene algo de ese ‘gran’ -leáse Hollywood- que, al fin y al cabo, nunca lo es tanto cuando hablamos de comuna comedia, y esta película también lo es. 


Todo sería perfecto en su perfección indi si no fuera por las dos horas que alargan la enfermedad hasta los límites del ‘gran’. Solo el humor familiar, el de la familia pakistaní, y el de los padres de ella –Holly Hunter y Ray Romano nada más y nada menos-, y la gran vivencia de Kumail Nanjiani fuera y dentro de la pantalla, ayudan a sobrellevar esa enfermedad del tiempo en el tercer tramo que, afortunadamente, acaba volviendo a sus orígenes más sencillos, y que más agradece el espectador independiente cuando de algo grande se trata.  

Valoración: 7 / 10 



LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR, “THE BIG SICK” (2017) 
Director: Michael Showalter 
Reparto: Kumail Nanjiani, Zoe Kazan, Holly Hunter, Ray Romano, Linda Emond, Vella Lovell, Bo Burnham, Aidy Bryant, Matty Cardarople, Adeel Akhtar, Anupam Kher, Shenaz Treasury, Kurt Braunohler, Rebecca Naomi Jones, Celeste Arias, Myra Turley 
Género: Drama, romántica 
Duración: 119 min.

lunes, 23 de octubre de 2017

CRÍTICA DE AMOR A LA SICILIANA (2016)

10:32:00 0 Comentarios
ITALIANÍSIMO PIF: BUEN CINE A LA SICILIANA
Por Lucía Pérez García 


Qué bonita puede ser la guerra vista en una gran pantalla. Qué bonita cuando hay una historia de amor. Qué bonita cuando se disparan más chistes que balas. Qué bonita cuando tiene ese algo del cine italiano más bellissimo y delizioso, y del cine americano más entrañable. Y lo que es lo mismo, qué bonita cuando es tan surrealista y a la vez tan real. Amor. A la tierra donde nació: Sicilia. A su historia, personajes, tradiciones. Amor al cine: Benigni, Tornatore, Zeffirelli... Forrest Gump. Al arte (por algo es descendiente del escultor Thorvaldsen). A la risa: de sí mismo, de su gente, del mundo entero. A la elegante forma de ver la vida con las comisuras de la boca siempre hacia arriba. 

A la siciliana. Pif nos dijo en que La mafia solo mata en verano. Ahora nos cuenta el camino hacia la calurosa estación de la muerte. Con humor de voz cascada. Con mensajes y símbolos de brillante ingenio. Y con amor. Mucho amor. Amor a la siciliana. 


En guerra. La segunda. La mundial. Bellissima estampa de guerra color desgarrado. Impresionante a su propia escala. Operaciones previas al desembarco del Normandía. Otro lugar. Otra misión. Otro día D. Totalmente a la siciliana. Burro incluido. Porque sí. Allí hubo un burro. Aunque mordedor, que no volador. 

Viendo las italianísimas películas de Pierfrancesco Diliberto (Pif) nosotros también volaremos. Y, seguramente, seremos menos burros.  

Valoración: 7.5 / 10 


AMOR A LA SICILIANA, “IN GUERRA PER AMORE (2016) 
Director: Pierfrancesco Diliberto (Pif) 
Reparto: Pierfrancesco Diliberto, Miriam Leone, Andrea Di Stefano, Stella Egitto 
Género: Comedia, romance, drama, bélico 
Duración: 109 min.